David Bailey es uno de los fotógrafos más influyentes y reconocidos de los últimos 60 años, habiendo retratado a celebridades como la Reina Isabel II de Inglaterra, los Beatles, Jeff Koons, Joseph Beuys, Kate Moss, Sheikh Saud Al Thani, David Bowie, Jude Law, Paloma Picasso, Pharrell Williams, entre otros. En 1960 Bailey comenzó a colaborar con la revista British Vogue, lo que permitió las condiciones para un ascenso explosivo en su trayectoria. Su trabajo en ese momento representó una ruptura con la estética establecida de la época y con las formas de retratar y hacer fotografías de moda rígidas, que representaban un ideal de clase socioeconómica alta. Bailey fue capaz de revelar con sensibilidad la belleza cruda particular de la gente, con intensidad, dinamismo y frescura, captando e introduciendo a través de su fotografía los cambios sociales y culturales del momento.

La carrera de Bailey tomó especial fuerza durante la escena Swinging London, a la que activamente contribuyó, entre otras cosas, cambiando paradigmas de las estrategias comerciales con el libro Bailey’s Box of Pin-Ups (1964). Su impacto en distintos ámbitos, así como su influyente personalidad, inspiró al director de cine Michelangelo Antonioni, quien se basó en su vida para la creación de Thomas, el protagonista de la película Blow-up (1966).

Bailey, tiene más de treinta libros publicados, ha expuesto en múltiples ocasiones de manera tanto individual como colectiva, es recipiente del título de Comandante de la Orden del Imperio Británico de manos de la Reina Isabel II, y en 2016 se le otorgó el premio Lifetime Achievement del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York. Su obra se encuentra en las colecciones de la National Portrait Gallery y el Victoria and Albert Museum de Londres, entre otras instituciones y colecciones privadas y públicas. 

Peter Buggenhout (Dendermonde, Bélgica, 1963) trabaja en series con la intención de complejizar y profundizar en distintas vetas, logrando cuerpos de trabajo que expresan aspectos vitales de la existencia contemporánea, como la decadencia, la sobreacumulación, la incertidumbre, la destrucción y el desconocimiento, entre otros. Los títulos, se refieren de manera coherente y precisa a los materiales usados, los procesos de construcción y los resultados formales, en ocasiones estableciendo vínculos y cruces con la historia o la literatura. Sus piezas están hechas a partir de objetos o elementos encontrados y de desecho, previamente insignificantes o inestables como polvo, escombros o sangre, generando una densidad de información inaccesible, o accesible sólo gradual o parcialmente.

La complejidad formal de estructuras y construcciones de gran formato, desprendida de todo tipo de representación, responde a una lógica interna que es revelada mediante la interacción física y directa con las obras en espacios específicos. Lo que se presenta como un caos aplastante, es en realidad el resultado de un proceso meticuloso, largo y metódico, que parte de lo abyecto hacia la experiencia estética. Las esculturas compactas y frecuentemente de dimensiones abrumadoras, se manifiestan como ruinas o como la arqueología del sentir protagónico de culturas occidentales actuales, paradójicamente fungiendo como contrapropuesta a las inminentes tendencias de consumo rápido y fácil.

La obra de Buggenhout forma parte colecciones de museos como el MoMA (Museum of Modern Art) de Nueva York, el Centro Pompidou y el Museo Nacional de Arte Moderno en París, The Roberts Institute of Art y la Saatchi Gallery de Londres, The Margulies Collection y la Rubell Collection Family en Miami.

Peter Buggenhout ha mostrado su obra de manera individual y colectiva en instituciones como: MoMA PS1, Nueva York; Palais De Tokyo, Centre Pompidou, Petit Palais y La Maison Rouge, París; Frankfurter Kunstverein, Frankfurt; Kunstverein Hannover, Hannover; Neues Museum, Núremberg, Alemania; Herzliya Biennial 2011, Israel; La Biennale di Venezia 2009, Venecia; Kunstraum Dornbirn, Austria; De Pont Foundation, Tilburgo, Países Bajos; Museum of Old and New Art, Tasmania, Australia; M Museum, Louvain, Bélgica; Museo Espacio, Aguascalientes, México, entre otros. En el 2022, participó en una exposición colectiva durante la Bienal de Venecia y en la Bienal de Lyon. 

El trabajo de Daniel Buren se centra en construcciones estéticas desde la crítica institucional, frecuentemente realizadas en el ámbito público o en edificios históricos, con implicaciones formales, conceptuales, políticas y sociales, que en primera instancia se experimentan de manera no racional, pero que fundamentalmente ponen en crisis y confrontan la operación tradicional de los espacios expositivos e instituciones, a partir de ser producidas y mostradas como arte, de manera diferente en sitios no convencionales.

Al abandonar la idea de la obra de arte exclusivamente como objeto autónomo e independiente, Buren ha utilizado la pintura como estrategia y como lenguaje, rechazando técnicas y soportes tradicionales, priorizando el sitio y el contexto, reactivando lugares específicos, a la vez que diluye los límites entre arte, espacio y público, y que desafía y redefine premisas respecto a cómo existe el arte y cómo se muestra.

En este sentido su trabajo rompe con dinámicas impuestas y normalizadas sobre la experiencia del arte y sugiere aproximaciones abiertas y multidimensionales, en donde a diferencia de procedimientos receptivos comunes, la producción de contenidos por parte del espectador no es necesariamente intelectual, sino que inicia con una relación corporal orgánica, en el que se requiere de una actitud abierta, atenta y sensible; por ejemplo en instalaciones penetrables, donde el color, la luz y el movimiento tienen una presencia inminente y protagónica.

En contraste a lo que sucede con algunos procesos sociales y culturales dominantes, donde nuestro espacio interno es privatizado y alienado, la obra tanto artística como teórica de Buren, además del impacto que ha tenido en la historia del arte y los cambios que ha detonado, sostiene una promesa liberadora que opera en contra de la mecanización, no sólo de la experiencia, sino restableciendo estrategias artísticas de producción, exhibición y recepción, creando espacios horizontales, democráticos e incluyentes.

Daniel Buren (París, 1938) vive y trabaja in situ. Su trabajo se ubica dentro del campo del discurso conceptual y la crítica institucional y se centra en la intervención de espacios públicos y edificios históricos. Buren recibió el León de Oro de la Bienal de Venecia en 1986 y el Premium Imperial en Japón en el 2007. En 1985 creó su instalación pública más polémica, “Les deux plateaux” en el patio del Palais Royal de París. Su carrera ha sido objeto de grandes exposiciones, por ejemplo, en el Museo Guggenheim de Nueva York en el 2005, y en el Centre Georges Pompidou de París en el 2003, entre otras. En el año 2012 se presentó su espectáculo Excentriques como parte del ciclo Monumenta en el Grand Palais de París, y, en el 2014, realizó una intervención en el Hospicio Cabañas, en Guadalajara, Jalisco, México. L’Observatoire de la Lumiére es una intervención en el edificio de la Fundación Louis Vuitton, presentada entre 2016 y 2017. Daniel Buren ha realizado más de 3000 intervenciones públicas en todo el mundo, al igual que cientos de obras permanentes.

La obra de James Brown es una colección de imágenes y objetos que conviven en contextos específicos y que se articula como constelaciones de elementos ambiguos en aparente movimiento, con similitudes a organismos no definidos, casi flotantes, conectados y relacionados entre sí. El espacio entre las formas, tanto en cada una de sus piezas, como dentro de su cuerpo de trabajo en general, une y comunica desde la intención de mostrar la interdependencia de todo, la diversidad y la imprevisibilidad. Los universos de James Brown, se conforman a partir de la transformación de elementos del mundo natural hacia la esfera del arte, con ritmos visuales equilibrados entre las formas y una distribución precisa y orgánica.

El trabajo de James Brown se presenta, en oposición a las limitantes perceptivas de la alienación de la vida contemporánea y sus dinámicas. Utilizó un rango amplio de soportes, disciplinas y materiales e incorporó a sus piezas procesos no terminados de manera intencional, subrayando la naturaleza cambiante de la vida y el cosmos. 

James Brown ha tenido más de 100 exposiciones individuales y ha participado en más de 200 exposiciones colectivas en el mundo.  Su obra pertenece a las colecciones de prestigiosos museos incluyendo el MoMA, Whitney Museum of American Art y Metropolitan Museum of Art en Nueva York; Centre Georges Pompidou, París, Francia; Instituto de Arte Contemporáneo KW, Berlín, Alemania; y el Museo de Arte Contemporáneo (MACO), Oaxaca, México, entre muchos otros. 

Martin Eder es un artista interdisciplinario, principalmente reconocido por su pintura. Eder reproduce una estética de valores del capitalismo tardío o de la posmodernidad, fantástica, de formas y colores llamativos, que contrasta con la presencia protagónica de personajes despojados de cualquier artificio, mostrados desnudos y vulnerables física- y emocionalmente. Su obra representa la violencia de la incoherencia entre la realidad que se ofrece (cultural o mediáticamente), o a la que se aspira, y la realidad internamente experimentada. Martin Eder ha realizado también performance, fotografía, vídeo y escultura.

Durante su trayectoria artística Martin Eder ha expuesto a nivel internacional, con muestras individuales en lugares como Galería HENI, Londrés, Reino Unido (2022) y Galería K.NIG en Tokio, Japón (2020). Ha participado en exposiciones colectivas en ARKEN Museo de Arte Moderno, Copenhagen, Dinamarca (2022) y Patricia Low Contemporary, Gstaad, Suiza (2018), entre otras. Sus obras se encuentran en prestigiosas colecciones como el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA), Los Ángeles, Estados Unidos y Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York, Estados Unidos.

El trabajo de Ježik está basado en prácticas multidisciplinarias enfocadas en ataques directos y explícitos a la censura, la vigilancia y distintas formas de estrategias control, así como en ideales anarquistas y de libertad, siendo radicalmente crítico de sistemas represivos normalizados, legales o falsamente democráticos y de las dinámicas mediáticas masivas de comunicación y politización. En sus obras utiliza armas, maquinaria de guerra y materiales industriales como componentes formales o escultóricos, o como readymades, siendo el performance uno de los pilares de su trabajo, además de emplear otros medios, desde dibujos o textos, hasta intervenciones arquitectónicas en espacios públicos. La tensión generada por la violencia y agresividad en las piezas de Ježik es experimentada no sólo por los espectadores, sino que implica frecuentemente un riesgo real, potencial o latente, desde los procesos de producción.

Ježik establece referencias a la historia del arte, tales como el minimalismo norteamericano o el suprematismo ruso, con implicaciones formales y conceptuales específicas en cada caso.

Ježik ha expuesto individualmente en lugares como: Centro de Arte Contemporáneo Laznia. Gdansk, Polonia (2022); Galería Metropolitana, Santiago, Chile (2019); Fundación OSDE, Buenos Aires (2018); Ex Teresa Arte Actual, Ciudad de México (2017); Galería Vermelho, São Paulo (2015); Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2011). Colectivamente su obra ha sido expuesta en diversas instituciones como el Museo Carrillo Gil; Museo de Arte Moderno (Ciudad de México), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Haus der Kulturen der Welt (Berlín), Museo Reina Sofía (Madrid), Musée des Beaux Arts (Montréal), Art Sonje Center (Seúl), así como en las bienales de Mercosur (Porto Alegre, 2003), São Paulo (2010), Ljubljana (2011), Shanghai (2018) y BienalSur (Buenos Aires, 2019).

JANNIS KOUNELLIS ()

Jannis Kounellis desarrolló un amplio cuerpo de trabajo dentro de una combinación de disciplinas como pintura, escultura, instalación, collage y performance, entre otras. Su obra tiene base en la crítica a la alienación y fragmentación de la cultura contemporánea, idea que expresó a través de la yuxtaposición de objetos y materiales que se contraponen entre sí, o que carecen de conexiones aparentes. A partir de 1967 se consideró como uno de los principales exponentes del arte povera en Italia, período en el que incorporó a su práctica materiales experimentales como fuego, piedras, carbón, lana, humo o animales vivos. Además del interés por problemáticas sociales, a Kounellis le importaba la libertad expresiva, que realizaba por medio de la introducción de elementos inusuales o transgresores, durante más de 50 años de carrera utilizó distintas formas de interacción física entre su obra y los espectadores, quienes en ocasiones formaban parte de su puesta en escena de manera intencional. 

Ha participado de manera individual en más de 300 exposiciones y en más de 400 exposiciones colectivas alrededor del mundo. Su obra se ha mostrado en una variedad de prestigiosos museos en lugares como Fondazione Prada, Venezia, Italia (2019); Museo delle Genti d’Abruzzo, Pescera, Italia (2017), Today Art Museum, Beijing, China (2011); y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid España (1997), entre otros. 

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La práctica artística de Oliver Marsden gira en torno a la percepción, las posibilidades del movimiento y la fluidez del color, el sonido y el orden. Marsden explora el comportamiento y las propiedades de la pintura, creando pulsaciones y ecos de color. Marsden tiene una base formal en la geometría que frecuentemente corresponde a las formas de las oscilaciones periódicas, como las vibraciones de sonidos simples, tales como el que puede producir un diapasón. Estos patrones de ondas son producidos frecuentemente en la naturaleza por el viento, la luz o el sonido, y su forma tiene una correspondencia directa con el ritmo y el tiempo. El trabajo de Marsden representa posibles modelos cósmicos, o fragmentos de ellos, a partir del equilibrio entre la precisión científica y la subjetividad perceptiva. La evolución de su práctica le ha llevado a experimentar con materiales como la fibra de vidrio y el aluminio, además de la pintura.

Oliver Marsden ha participado en más de 60 exposiciones colectivas, incluyendo Vigo Gallery, Dubai, Emiratos Árabes Unidos (2017) y ha mostrado su obra de manera individual en espacios como Galería Hilario Galguera, CDMX, México (2015) y Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japón (2009), entre otros. Ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos como el Prince 's Trust Award de Inglaterra en el año 2000 y The Arthur Anderson Prize por Mejor Artista Joven, Escocia en 1995. Su obra forma parte de importantes colecciones alrededor del mundo como de la Fundación Jumex, México y Horiuchi Collection, Japón, entre otras.

La práctica artística de Sodi, tanto pictórica como escultórica, tiene fundamento en la expresión de los materiales, así como sus cargas culturales, simbólicas e históricas. Sus esculturas consisten en piezas de arcilla horneadas en su estudio en Oaxaca, siguiendo técnicas de la región, que son adaptadas para la producción de obras de gran formato, moldeadas manualmente y secadas a la intemperie. Las piezas resultantes son legados únicos de la interacción entre el material crudo y el medio ambiente, portando las marcas no sólo del artista, sino también de los componentes naturales de la materia prima.

A través de su trabajo, Sodi actualiza y resignifica prácticas mexicanas ancestrales; su obra conserva el uso tradicional y ritual de la arcilla, a la vez que sus formas existen como símbolos universales y arquetípicos relacionados con el infinito, la tierra, o el cosmos, entre otros. En este sentido, la obra de Sodi representa un equilibrio de varias dicotomías: lo conceptual y lo formal, lo local y lo universal, lo espiritual y lo terrenal, lo concreto y lo abstracto.

Sodi se inspira en una variedad de expresiones culturales y artísticas; en la importancia de la arcilla para las civilizaciones americanas antiguas, la tradición japonesa de wabi-sabi, que valora la impermanencia y la imperfección, así como en momentos más recientes de la historia del arte, tales como el arte povera en Italia, o en Japón: Gutay y Mono-ha; manifestaciones que expanden la definición del arte y sus espacios expositivos, a la vez que aprovechan la imprevisibilidad y la belleza de la naturaleza más allá del cubo blanco.

Bosco Sodi ha expuesto individualmente a una escala internacional en lugares como Dallas Museum of Art, Dallas, EEUU (2021) y Galería Axel Vervoordt, Amberes, Bélgica (2022). En el 2022, presentó su exposición individual “What Goes Around Comes Around” como evento colateral oficial de la Bienal de Venecia con Fondazione dell’Albero d’Oro. Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia (2021) y Museo de arte de la Ciudad de Shimonoseki, Yamaguchi, Japón (2021). Su obra forma parte de más de 40 colecciones públicas y privadas incluyendo las de Harvard Art Museum, Massachusetts, EEUU; Colección Júmex, CDMX, México; y Murderme Collection, Londres, Reino Unido, por nombrar algunos.